Claustrophobes hoeft niet te worden toegepast: 16 films op één locatie

Een van de basisprincipes die beginnende filmmakers worden geleerd en aangemoedigd in de filmschool, althans wanneer ze beginnen, is om een ​​eenvoudige, idealiter enkele locatie te kiezen om praktische redenen: budgetten en het ontbreken daarvan, vergunningen, controle, verlichting gemak, enz. Als je een blinde filmstudent bent met weinig middelen, is de eenvoudigste manier om een ​​film te maken deze in een omgeving te plaatsen waar je idealiter volledige controle hebt.



Te weten; Quentin Tarantino stel zijn overval in 'Reservoir Honden'In een magazijn en nooit de overval toonde, in plaats daarvan ervoor kiezen om de binnenkant als een interieurfoto te bewaren, behalve een paar scènes buiten die waarschijnlijk over een dag of twee werden opgenomen. Interessant genoeg, van onze lijst met de beste films op één locatie, plaatsten bijna al deze filmmakers deze films in een enkele setting door creatieve keuze en niet omdat ze gedwongen waren. De methodiek erachter is niet ver verwijderd van Jack WhiteHet is minder-is-meer manifest binnen de witte strepen: jezelf dwingen creatief te zijn door al het speelgoed dat je normaal tot je beschikking hebt af te trekken en terug te keren naar de basis.

Danny Boyle‘S’127 uren'Speelt tegenwoordig in theaters in beperkte release, en hoewel het niet strikt op één locatie speelt, speelt het overgrote deel van de film zich af in een enkele, claustrofobe kloof, met canyoner Aron Ralston gevangen onder een rotsblok. Boyle gebruikt elke truc in zijn filmische vocabulaire om de situatie fris te houden, maar we dachten dat we zouden onderzoeken hoe andere filmmakers, van Alfred Hitchcock tot, meest recent, 'begraven'directeur Rodrigo Cortes, hebben een enkele locatie behandeld.



“Rope” (1948)
In 'Touw, ”Gebaseerd op het echte leven van Leopold en Loeb, twee universitaire studenten die geloofden in Nietzsche's Übermensch-theorie van moord als de ultieme daad van intellectuele superioriteit, werpt Alfred Hitchcock een aantal technische hindernissen op zijn weg bij het brengen van het verhaal (gebaseerd op de 1929 Patrick Hamilton spelen) naar het grote scherm. Naast de enkele locatie-instelling, een appartement, speelt Hitchcock de film in (min of meer) realtime (kijk hoe de zon van positie verandert door het raam door de hele film heen) en probeert de film te presenteren als een ononderbroken take dankzij enkele slimme bewerking. Hoewel de technische gokspellen niet altijd werken en soms afleiden, kan het algehele effect niet worden ontkend. Met geweldige hoofduitvoeringen van John Dall en Farley Granger als het moorddadige duo en de altijd betrouwbare James Stewart als hun verdachte leraar, “; Rope ”; is een waanzinnig leuk kat-en-muisspel dat de inzet verhoogt door alle spelers de hele speeltijd in beeld te houden. Vooral Dall is een opvallende verschijning als Brandon, een bundel van duizelingwekkende vreugde gecombineerd met een pervers gevoel van voldoening, terwijl Granger zich staande houdt als de veel nerveuzere en schuldgevoeliger Phillip. Zelfs als u weet hoe hun “; perfecte misdaad ”; wordt uiteindelijk onthuld, “; Rope ”; is nog steeds erg leuk om te zien. Het verbale sparren is heerlijk en de strook van homo-erotiek die door de film loopt, is opmerkelijk voor zijn tijd. Niet veel van de enkele settingfilms op deze lijst proberen zoveel als Hitchcock jongleert hier, maar voor het grootste deel werkt het, en nog belangrijker, het verhaal wordt snel veel fascinerender dan de nieuwigheden die het vroeger vertelden. [B +]



'12 Angry Men' (1957)
Pedanten, ga staan ​​- terwijl de film wordt geboekt met scènes buiten en de badkamer kort wordt beschreven, “; 12 Angry Men ”; is in wezen een single-location film; alles van belang gebeurt, ingesloten in tijd en ruimte, in een zweterige, waardeloze jurykamer waar de 12 mannen van de titel worden gestuurd om het lot te bepalen van een man die wordt beschuldigd van moord. Gebaseerd op (en blijkbaar weinig scriptsgewijs van) een teleplay met dezelfde naam, dat de film niets anders dan filmisch aanvoelt, ondanks zijn TV-roots en de opzettelijke theatraliteit van zijn enscenering (getuige de prachtige choreografie van dat verwoestende moment waarop de razende racist onthult zichzelf, en elk van zijn medemensen een voor een staat en keert zijn rug toe) is grotendeels te wijten aan de zinderende uitvoeringen, opgesteld door een nooit betere Sidney Lumet tijdens een moeizaam repetitieproces. Speciale vermelding moet gaan Henry Fonda, wiens werk hier een meesterwerk van understatement en ingetogen intelligentie is en de film promoot van een meditatie over vrijheid, het gerechtelijk systeem en de betekenis van gerechtigheid (interessant) tot een scherp waargenomen essay over de mechanica van macht en manipulatie (interestinger). Ja, sommige details lijken nu misschien trite - een getuige GASP droeg haar bril niet; een oude man SCHOK sleept zijn been - maar vaker is het ’; s niet de ‘ feiten ’; die van gedachten veranderen, in plaats daarvan wordt bewezen dat elke man ongelijk heeft door zijn overmoed, vooringenomenheid en bekrompenheid bloot te stellen aan de rest en aan zichzelf. Dit is misschien wel de meest opmerkelijke prestatie van de film; het is een torenhoog monument voor het idee dat de ‘ gewone man ’; is in wezen goed en vriendelijk - het is gewoon dat hij soms een beetje eraan moet worden herinnerd. [EEN]

'Reddingsboot' (1944)
Alfred Hitchcock had zeker een soort masochistische creatieve neiging om zijn producties in extra uitdagende situaties te plaatsen, zoals bijvoorbeeld, binnen de grenzen van een reddingsboot met excentrieke diva (en opgemerkt panty eschewer) Tallulah Bankhead. Gooi dan voor de lol een set van een primitieve beenamputatie in! Het WWII-ensemblebeeld verzamelde Oscar-noms voor Best Director, Best Original Motion Picture Story (door John Steinbeck), Best Black and White Cinematography (geef het op voor geesten uit de Oscar-categorieën uit het verleden), en een hele reeks controverses over wat werd gezien als een propagandistisch portret van een nazi-kapitein die aan boord van de reddingsboot komt. De bonte bemanning die samen wordt gegooid nadat een passagiersschip en Duitse U-boot elkaar laten zinken, vormt een klein model U.N. van races, geloofsbelijdenissen en nationaliteiten, en iedereen moet leren met elkaar om te overleven om te overleven - en niet allemaal. Hitchcock stelde zichzelf voor de uitdaging bij het fotograferen van deze film - een groep acteurs in een reddingsboot in het midden van de oceaan steken geeft een regisseur niet zoveel visuele opties, maar hij heeft de acteurs op een dynamische gelaagde manier geënsceneerd , gebruikte close-ups en creëerde meesterlijk een heel universum binnen de grenzen van de boot door eenvoudig het frame met personages te vullen. Ondanks de kleine locatie voelt de film nooit claustrofobisch aan. Hitch voegde ook een andere verteluitdaging toe aan zijn bord door de score volledig te elimineren (behalve het allereerste begin en einde), het publiek niet te laten beïnvloeden door muzikale signalen, te leren wat ze moesten weten van de acties van de personages, Hitch ’; s ongeëvenaard camerawerk en bewerken, en het desolate diegetische geluid van de oceaan die tegen de romp klapt. Alle filmmakers op één locatie: buig voor je meester. [EEN]

'The Breakfast Club' (1985)
De vloek van het bestaan ​​op de middelbare school - afgezien van de onhandigheid en niet passend - is detentie, dus het was nogal briljant voor John Hughes om fysieke opsluiting te gebruiken als een emotionele metafoor voor de angst en alle tieners, ongeacht hun station op school , voelen. Misschien niet zo claustrofobisch als sommige films op deze lijst, past 'The Breakfast Club' nog steeds bij de rekening omdat het beeld volledig is ingesteld binnen een middelbare school op de slechtste dag mogelijk voor een adolescent: een zaterdag. Je hebt het gezien, dus we hoeven je niet veel meer te vertellen over deze klassieker uit de jaren 80 die een nerd, een jock, een outcast, een crimineel en een priss dwingt om hun collectieve problemen op te lossen, maar het is een inventieve uitgangspunt dat duidelijk in schoppen werkte. Er is veel woede en tranen in de drama wanneer de studenten in de film worden gedwongen om hun angsten en demonen te confronteren, maar uiteindelijk is het deze openhartige zelfanalyse die hen, en wij, de kijker, een beetje meer begrepen laat voelen in een wereld die grotendeels wreed en meedogenloos is. [EEN]

“Begraven” (2010)
Het concept is eenvoudig: een man wordt levend begraven wakker in een doodskist en moet vechten voor zijn leven. En om zeker te zijn, de film van Ryan Reynolds kreeg veel vroege buzz en warmte vanwege zijn ambitieuze verwaandheid die de acteur alleen op het scherm vond gedurende de hele lengte van de film. En terwijl Reynolds bewijst in staat te zijn om een ​​helluva-aanwezigheid te behouden voor de looptijd van de foto, is het jammer dat het script van Chris Sparling niet overeenkomt met de energie die wordt ingebracht door de hoofdrolspeler van de film. Geplaagd door de kwestie dat het karakter van Reynold ’; ongelooflijk sterke ondergrondse mobiele telefoondiensten heeft, wordt het script vanaf dat punt alleen maar erger. In essentie: 'Begraven ”; is 90 minuten telefoongesprekken, en omdat die karakters slechts stemmen zijn voor Reynolds om er vanaf te stuiteren, wordt al snel duidelijk hoe dun de hele onderneming is opgebouwd. Het script reikt naar een verhalend gewicht en verschuift naar een soort politieke verklaring in een laat stadium, maar het overtuigt niet. Regisseur Rodrigo Cortes doet zijn best om creatief een film te spelen die zich afspeelt in een uiterst beperkte ruimte, maar er zijn slechts zoveel verschillende manieren om Reynolds in een close-up te kaderen. Alle rook en geen vuur, 'begraven' sluit zich letterlijk in. [C-]

'Cube' (1997)
Een oefening om veel te doen met een beetje, “; Cube ”; werd opgenomen in 20 dagen op een enkele 14 ’; x14 ’; ingesteld voor slechts $ 365.000 CAD, maar bracht twee opeenvolgende films voort (een vervolg en een prequel) en behoorlijk de volgende aanhang. Het is een mager, absorberend stuk werk waarin de uitgesproken Kafkaesque-gimmick (een groep vreemden wakker wordt in een nachtmerrieachtige kubus die bestaat uit constant verschuivende en bijna identiek uitziende kamers, waarvan vele zijn uitgerust om te doden), zoals in alle beste sciencefiction, bestaat echt alleen als een excuus om te genieten van een beetje ouderwets filosoferen en een “; Survivor ”; -stijl macht speelt als tijdelijke allianties vorm en afbrokkelen en mensen blijken niet te zijn wat ze lijken. Wij zeggen Leuk vinden de beste sciencefiction, want zelfs op zijn best, “; Cube ”; komt er nooit echt; het neemt ook niet die sprong in de echt vreemde en / of verwrongen, zoals '2001', of zelfs “; Primer, ”; of “; Pi, ”; maar het geeft ons ook geen echte antwoorden, en daarom valt het liever tussen alle beschikbare ontlasting, met wat nogal versleten acteren en karakterisering waardoor het een stuk van een “; Sunshine ”; -stijl ensemble tekortschiet. Maar dit zijn natuurlijk meestal vergelijkingen met films die vele, vele malen “; Cube ”; ’; s budget hadden, dus het is misschien lastig om te nitpicken. Als er niets anders is, hebben we het te danken voor het aankondigen van de komst van een veelbelovende nieuwe horror / sci-fi-directeur in Vincenzo Natali, die ons sindsdien heeft gebracht zoals “;cijferen”; en “;verbinding”; (wat we erg leuk vonden), en is momenteel gehecht aan die sci-fi Holy Grail - een bewerking van William Gibson ’; s “; Neuromancer. ”; [B]

'Phone Booth' (2002)
Een bewijs van het voortbestaan ​​van het hoge concept in Hollywood, scenarioschrijver Larry Cohen’; s toonhoogte voor deze film bleef iets meer dan 40 jaar op de plank hangen, nadat hij ooit door niemand minder dan Alfred Hitchcock was ontwikkeld. De film eindigde in ontwikkeling onder het toeziend oog van een aanzienlijk minder getalenteerde filmmaker, een Joel Schumacher, bekend om het permanent beëindigen van de Batman-franchise in de jaren 90. Het eindresultaat is zowat wat je zou verwachten, hoewel Schumacher een meeslepende hoofdprestatie wringt van een toen nog niet geteste Colin Farrell (hij had eerder met Schumacher gewerkt in wat neerkwam op de beste film van de regisseur, 2000 ’; s Vietnam trainingskamp drama “; Tigerland ”;). Als bijzonder ongelukkige douchebag-publicist Stu Shephard, zweet, schreeuwt en scheurt Farrell in het glazen compartiment waar hij permanent ingesloten zit onder het toeziend oog van een naamloze crackshot-sluipschutter (Kiefer Sutherland, die bijna de hele film doorbrengt om Stu op de hoogte te brengen van zijn naderende overlijden door voice-over en, niet verrassend, nagels). Tussen de twee mannen staat een vertrouwde zwarte politieagent met rechte pijlen, kapitein Ramsey (Forest Whitaker, altijd betrouwbaar en brengt een zekere mate van verering naar een vermoeid karakter). Om de kwellingen te bederven die Stu ondergaat en of hij ooit de telefooncel levend verlaat, zou de papperige bochten van Schumacher worden ondermijnd - als je hele film een ​​set-stuk is, is er alleen zoveel gas dat je kunt verbranden voordat dingen vertragen tot melasse. Gelukkig, “; Telefooncel ”; houdt de spanning steeds hoger en verandert in een bruikbare, af en toe opwindende en altijd te bekijken boilerplate-thriller met een unieke gimmick die voor het grootste deel minder snel afslijt dan je denkt. [B]

“; Lebanon ”; (2009)
De zeer recente “;Libanon”; maakt deze lijst niet alleen omdat letterlijk alle actie wordt gezien vanuit het uitkijkpunt van een tank, maar ook omdat deze enkele locatie wordt gebruikt om het effect op te schrikken. Samuel Maoz ’; s reconstructie van zijn eigen ervaringen als Israëlische tankschutter tijdens de oorlog van 1982 tussen Israël en Libanon vindt plaats (met uitzondering van de eerste en laatste twee schoten van de film) volledig in een Israëlische tank ondersteund door een team van parachutisten die zich op de eerste dag van de strijd in vijandelijk gebied begeven. De stand-in, artillerist Shmulik van Maoz (Yoav Donat) blijft samen met zijn bemanning, samen met zijn bemanning, opgesloten in deze uitrusting, geleid door een commandant die worstelt met de conflicterende persoonlijkheden van zijn mannen. Je bent ongetwijfeld bekend met de uitdrukking dat wanneer je meerdere mensen voor een lange periode in een kamer plaatst, de naden onvermijdelijk uit elkaar komen en ze zullen klappen krijgen. In “; Libanon, ”; de tank is nauwelijks een kamer en de mannen zullen ofwel leven of sterven aan het einde van de dag - en zo niet vandaag, dan morgen. De tank biedt bescherming, maar het is ook een val, een die geen uitweg heeft, geen nooduitgang. Als de tank brandt, doet het vlees dat ook. “; Lebanon ”; is ballen tot aan de muur filmen en het moet gezien, ervaren, zo niet noodzakelijk genoten worden. [B +]

“Paniekruimte ”; (2002)
Voor zijn opvolging van de oorspronkelijk kritieke en commerciële mislukking “; Fight Club ”; (we weten allemaal hoe dat bleek), David Fincher wilde de moderne thriller een injectie van anale retentie geven, die slechts een paar visionairs in deze branche kan uitdelen. Met “; Panic Room ” ;, schetst Fincher nauwgezet het ontwerp van een enorm herenhuis dat op het punt staat te worden belegerd door drie mannen van zeer verschillende temperamenten - de hete kop Junior (Jared Leto), losgeslagen buschauffeur Raoul (Dwight Yoakam) en de zelfgenoegzame , hoewel gewetensvolle, veilige cracker Burnham (Forest Whitaker, die tussen deze en “; Phone Booth ”; de markt van 2002 domineerde op toonaangevende zwarte ondersteunende personages in besloten ruimtes). De spanning in dit voorbeeld op één locatie komt van Meg (Jodie Foster) en Sarah Foster (Kristen Stewart, bijtend op haar lip met de beste van hen in een vroeg voorbeeld van het apathische acteren dat haar door de ‘Schemering‘Serie), een moeder en dochter wier enige ongeluk op de verkeerde dag binnenkwam. Gelukkig heeft het huis een nieuwe 'paniekkamer ”;', ondoordringbaar en vol met voedsel en camera's die het huis bewaken. Het probleem is dat de kluis die de dieven willen kraken zich in de kamer bevindt en ze hebben de intentie om binnen te komen, kortom het huis op te blazen. Zoals geregisseerd door Fincher en (meestal) neergeschoten door Conrad W. Hall (de zoon van wijlen grote Conrad L. Hall), “; Panic Room ”; is duister, methodisch en prachtig, maar niets meer dan een vlijmscherpe thriller met een verleidelijk concept. Een andere film als bewijs van Fincher's micromanagement virtuoze techniek, “; Panic Room ”; is een vervelende kleine leeuwerik van de filmmaker, maar weinig meer. Maar toch, in handen van Fincher, plaatst dat de film met kop en schouders boven de concurrentie. [B-]

“My Dinner With Andre” (1981)
Afgezien van bijvoorbeeld, zijn de doelgerichte experimenten en persoonlijke uitdagingen van Hitchcock (waarvan er velen hier worden vermeld) het praatfeest van begin jaren tachtig van Louis Malle mogelijk het hoogtepunt van single-settings. In wezen is een gesprek van 110 minuten, 'Mijn diner met Andre', precies dat, een uitgebreid diner tussen twee vrienden in realtime opgenomen, waarin de aard van het leven, theater en meer werd besproken. De onderwerpen zijn de eigenaardige acteur Wallace Shawn en zijn vriend en experimenteel theaterregisseur, Andre Gregory. Gregory is een nieuwsgierige dromer, terwijl Shawn een meer cynische typische New Yorker is, en hoewel er weinig wrijving is in hun verhandeling, zorgen hun subtiele verschillen voor een absorberende dichotomie. Hoewel het ook klinkt alsof cinema echt verkeerd is gegaan - en het druist in principe in tegen elke regel voor het maken van films en scenarioschrijven 101 - is het diner met Andre absoluut boeiend, waakzaam en boeiend. De smaakmaker Criteriumverzameling hebben het niet als artefact uitgebracht, ze willen er ook geld mee verdienen, weet je, en ze realiseren zich dat het een altijd boeiende film is (en er bestaan ​​veel drogere dingen in hun waren - zie single setting clunker 'Secret Honor' door Robert Altman). Tijdens hun avondmaal raken Wallace en Gregory filosofisch onderwerpen aan als de aard van het leven, het bestaan ​​en het theater, maar altijd met een open en uitnodigende nieuwsgierigheid; er zijn geen pedantische antwoorden of postulaties - dit is spreektaal op zijn best. 100 minuten later, wanneer het breken van het brood is gedaan en de wijn is gedronken, gaan de vrienden hun eigen weg en blijft het publiek over om de doordachte besproken onderwerpen te verwerken. Een conventie-breker in alle opzichten die bijna elke trope van filmmaken en vertellen van verhalen tart - het is in geen enkel opzicht een documentaire en zwaar gescripte op basis van echte gesprekken tussen de twee leads - 'My Dinner With Andre' is die zeldzame en plezierige regel -breker die elke filmliefhebber minstens één keer zou moeten zien. [B +]

'Achterruit' (1954)
Weer een enkele settingfilm, nog een meesterwerk van Alfred Hitchcock. Deze keer is de setting een appartementencomplex in Greenwich Village, waar een zomerse hittegolf in New York ertoe heeft geleid dat de bewoners van het appartement hun ramen open hebben gehouden. Niet tevreden met het simpelweg beperken van de setting van zijn film, presenteert Hitchcock zichzelf met een andere uitdaging door het standpunt van de film te beperken tot dat van een enkel personage: Jeff Jeffries (gespeeld door een perfect gegoten Jimmy Stewart), een fotograaf met een gebroken been vast in een rolstoel. Jeffries, die af en toe door zijn verpleegster (Thelma Ritter) en zijn vriendin (een heerlijke Grace Kelly) wordt bezocht, beperkt zich tot zijn appartement en richt zijn aandacht op de verschillende buren aan de overkant van de binnenplaats die hij door zijn woonkamerraam kan zien. De eenzame vrouw zonder echtgenoot. De onconventionele kunstenaar. De verliefde jonggehuwden. De enige muzikant die drinkt. Het kinderloze paar dat van hun hond houdt. Een bochtige balletdanser. En natuurlijk het paar dat altijd vecht. Op een dag verdwijnt de vrouw in dit bittere paar. Jeffries, kijkend naar het appartement van het echtpaar vanuit de beslotenheid van zijn eigen woonkamer, ziet steeds meer bewijs van wat hij denkt dat de moord van de vrouw in de handen van haar man (Raymond Burr) is. De setting van het appartementencomplex wordt al snel Jeffries ’; wereld als hij geobsedeerd is bij het vinden van meer aanwijzingen. Tegelijkertijd verliezen we het publiek onszelf in de economische verhalen van Hitchcock, waar geen enkel detail verloren gaat. Kijkt uit over Jeffries ’; schouders door Hitchcock's lange shots van het appartementencomplex zoeken we naar aanwijzingen in de hoop het mysterie te achterhalen. En voordat we het weten, Jeffries ’; woonkamer is onze eigen geworden. [EEN]

'Tape' (2001)
Hij is een geweldige theateracteur, maar op het scherm kan Ethan Hawke een beetje saai zijn. Tenzij hij werkt Richard Linklater, voor wie Hawke constant zijn beste schermprestaties geeft. En weinigen zijn beter dan een die hij geeft in 'Tape', de aanpassing van Linklater van de Stephen Belber Speel. Volledig in real-time, zonder ooit de vaag smerige motelkamer te verlaten waarin het zich afspeelt, speelt Hawke Vince, een drugshandelaar in een kleine stad om zijn oudste vriend Jon (Robert Sean Leonard, een andere theaterveteraan die zelden goed op het scherm wordt gebruikt) te dwingen ) om te bekennen dat hij Vince's ex-vriendin Amy heeft verkrachtUma Thurman) toen ze jonger waren. De wendingen spelen zelden volgens je verwachtingen van de personages, en voor het grootste deel is Linklater's camerawerk, hoewel niet bepaald zijn mooiste, aantrekkelijk, en voorkomt het voor het grootste deel dat de film te podiumgebonden voelt. Maar echt, zoals zo vaak het geval is voor een filmset op één locatie, is het de showcase van een acteur en zijn alle drie de sterren zelden beter geweest. Een beetje een klein experiment in de canon van de regisseur, maar desondanks een onderschat experiment. [B +]

'Afschrikking' (2000)
Er is een lange traditie van de claustrofobe nucleaire thriller met drukknop, van Sidney Lumet's 'Fail Veilig'Naar het recentere' Crimson Tide 'en' Dertien dagen ', maar geen daarvan is ooit zo claustrofobisch geweest, althans op locatie, als Rod Lurie'Afschrikking'. Het regiedebuut van voormalig filmcriticus Lurie, het speelt zich af in 2008, en ziet een president op de verkiezingsroute (Kevin Pollak) opgesloten in een restaurant in Colorado door een sneeuwstorm, terwijl het midden in een gevecht van nucleaire brinkmanship met een Irak gerund door Uday Hussein, die Koeweit zijn binnengevallen. Hoewel het een eerste film is, houdt Lurie de spanning draaiende en hoewel voormalige stand-up Pollak niet de meest voor de hand liggende president in de filmgeschiedenis is, is hij verrassend goed en past hij bij het personage - een Joodse VP onverwacht verheven tot de grote stoel door de eerdere dood van de opperbevelhebber. Maar helaas is de film meestal een misvuur, voornamelijk vanwege een niet-overtuigende ondersteunende cast, met name Sean Astin, aangestoken door een belachelijke sik als een racist in een kleine stad en een steeds dwazer plot. Dingen bereiken uiteindelijk een piek met het einde, dat niet alleen moreel zeer twijfelachtig is (en niet echt op een opzettelijke manier), maar ook een complete verhalende cheat. Het is niet oninteressant, maar je kunt beter blijven bij 'Fail Safe'. [C-]

'Dial M For Murder' (1954)
Oké, dus we ’; zijn hier een beetje vals spelen omdat de film een ​​paar sequenties buiten het huis van Margot (een lichtgevende zoals gewoonlijk Grace Kelly) en Tony (Ray Milland) heeft, maar we zullen dat over het hoofd zien als “; Dial M voor moord ”; is een andere spannende “; perfecte moord ”; kappertje van Hitchcock. Tony heeft ontdekt dat Margot een affaire heeft gehad met de onstuimige misdaadschrijver Mark (Robert Cummings) en brulde van wrok en jaloezie dat hij van plan is haar te laten vermoorden. Hij organiseert een uitgebreid complot, inclusief het chanteren van Swann (Anthony Dawson), een oude Alumnus uit Cambridge, om de daad te doen: Swann wacht op een avond achter de gordijnen wanneer Margot gegarandeerd thuis is en Tony zal het huis bellen. Als ze belt, zal Swann tevoorschijn komen en haar doden. Zoals gebruikelijk lijkt de opzet ondoordringbaar, maar een reeks pech en misstappen zorgt er natuurlijk voor dat het plan uit de hand loopt. Hitchcock trekt opnieuw een beetje een wonder af, neemt een verhaal dat op papier gaat over vertraagde oproepen en verkeerd geplaatste sleutels en verandert het in een verifieerbare nagelbijter. Intrigerend genoeg slaagt hij er ook in om het publiek (enigszins) mee te laten sympathiseren met Tony; naarmate het plan zich ontvouwt, kun je niet helpen maar een beetje medelijden met de man voelen. De film valt ook op omdat hij niet alleen Hitchock's tweede uitstapje naar kleur is, maar ook 3D. Het is geen verrassing dat het gebruik van 3D hier afleidend is (maar eerlijk gezegd, niet slechter dan hetzelfde soort “; in je gezicht ”; capriolen die vandaag nog steeds gebeuren), maar het kleurgebruik van de regisseur (kijk Kelly ’) ; s kleur van jurk veranderen wanneer ze met Tony en Mark) zorgvuldig is doordacht. Aan het begin een beetje stagig en overmatig uitgelegd (het is tenslotte gebaseerd op een toneelstuk), wordt de film pas echt in vorm zodra de plot in gang is gezet en zoals gewoonlijk haalt het pure plezier je uit de beperkte omgeving. [B]

'1408' (2007)
“; Ik heb je gewaarschuwd voor 1408, ”; Samuel L. Jackson ’; s raadselachtige Dolphin Hotelmanager Mr. Olin knalt in de richting van Mike Enslin (John Cusack), gevangen in de zogenaamd bedeviled hotelkamer in deze filmische incarnatie van Stephen King’; s kort verhaal met dezelfde naam. Het concept is heerlijk simpel - Enslin, een succesvolle auteur die zijn brood verdient op zogenaamd achtervolgde locaties, neemt de beruchte kamer 1408 van Dolphin Hotel op voor zijn volgende opdracht. Enslin negeert de smeekbede van Mr. Olin, vestigt zich in 1408 en beseft al snel dat hij goed boven zijn hoofd zit - waarschijnlijk rond de tijd dat de waanzinnig enge plaatsing van 'We've Only Just Begun' van The Carpenters de stilte van de ruime leefruimte. Regisseur Mikael Håfström gebruikt spaarzaam maar zeer effectief speciale effecten, waarmee hij de onvoorspelbare metamorforis van de kamer tot stand brengt met een absoluut fantastische scène waarin de letterlijke realiteit aan het einde van de film uiteenvalt. Cusack staat meestal alleen als Enslin en hij levert een verrassend gemeten prestatie die vruchtbaar is voor zijn beschadigde menselijkheid. Enslin is in veel opzichten een geweldige kandidaat voor 1408, met zijn eigen aandeel emotionele bagage, de geesten die de kamer bezitten kunnen ontgrendelen en sap krijgen voor maximale psychologische schade. Hoewel niet bijzonder memorabel, '1408 ”; is vakkundig geregisseerd en een plezier om in te nemen en te huiveren en te schudden op geschikte momenten. [B +]

'Dog Day Afternoon' (1975)
Over Sidney Lumet ’; s geweldige overvalfilm, “; Dog Day Afternoon, ”; hoeft niet veel meer gezegd te worden. maar wat een andere geniale slag om spanning op te bouwen door het beeld te maken als een mislukte overval waar de dieven opgesloten zitten op een hete middag in New York City (OK, het is gebaseerd op een waargebeurd verhaal, maar toch). De film haalt het meeste van zijn kilometers uit zijn twee leads, de manische en loszittende Al Pacino die de tweevoudige verliezer Sonny speelt op zijn allerbeste en de bange en domme Sal (een heerlijk domme John Cazale). De baan hoort gewoon je gemiddelde banktaak in Brooklyn te zijn, maar door een komedie van fouten gaat alles mis, de politie arriveert en de onbekwame criminelen komen boven hun hoofd en worden gedwongen gijzelaars te nemen en naar binnen te gaan in de hoop dat de burgemeester zullen aan hun eisen voldoen. De vluchtigheid escaleert terwijl de situatie zich uitbreidt, terwijl de politie (een uitstekende Charles Durning) probeert te onderhandelen met de brute en zweterige bankrover, duidelijk op het randje. Later (spoiler in het geval je niet hebt gezien, en waarom in vredesnaam je niet?), Leren we waarom Sonny zo nerveus is; zijn geliefde (Chris Sarandon) probeert hem uit de overval te praten en we ontdekken dat de machinaties achter de misdaad worden gemotiveerd door Sonny ’; s verlangen om hem een ​​geslachtsveranderende operatie te bezorgen. Het is een fascinerende draai aan een klassieke en zanderige nagelbijter. [EEN]

Eervolle vermeldingen: de arendsogen hebben hier misschien een paar hiaten opgemerkt, meestal met films die zich helemaal in de trein afspelen. Maar met 'Unstoppable' onderweg, bewaren we die volgende week voor een railgebonden functie, dus wees geduldig. Anders zijn er een paar films die het vermelden waard zijn, zelfs als ze iets te veel vertrekken om hier te worden opgenomen. 'The Tenant' van Polanski is een klein werk van de regisseur, maar niet oninteressant en wordt in de steek gelaten door de centrale uitvoering - in dit geval Polanski zelf. De verbazingwekkende 'Russische Ark' in één keer is een buitengewone prestatie van het maken van films, zelfs als het soms meer aanvoelt als een kunstinstallatie dan als een echte film. En 'Dogville' en 'Manderlay' van Lars Von Trier zijn beide uitstekend, hoewel de instelling op één locatie een Brechtiaanse verwaandheid is, in plaats van een echte toegang tot het genre.

Anders speelt de sci-fi 'Moon' van Duncan Jones zich meestal af in de grenzen van een ruimtestation, hoewel af en toe excursies worden gemaakt naar het maanoppervlak. Op dezelfde manier bevinden zowel 'Sunshine' als 'Das Boot' zich volledig binnen ruimteschepen / onderzeeërs, maar de locaties zijn groot genoeg dat ze niet helemaal in aanmerking komen en Kevin Smith's 'Clerks' strekt zich uit naar twee verschillende locaties, en de straat die ze overbrugt . Dit jaar waren er twee andere thrillers die niet ver van een enkele plek afdwaalden. De ene, 'The Disappearance Of Alice Creed', was aangenaam bochtig, smerig en goed geacteerd, de andere, de door M. Night Shyamalan geproduceerde 'Devil' was ... niet. Eindelijk, niemand had Frank Capra's 'Arsenicum en oude kant' recent genoeg gezien om het op te schrijven, en, hoewel het stagy is op een manier die, zeg 'touw' niet is, is het toch de moeite waard om te bekijken, als onze vervaagde herinneringen aan het is nauwkeurig.

prime-cut film

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



Top Artikelen

Categorie

Recensie

Kenmerken

Nieuws

Televisie

Toolkit

Film

Festivals

Beoordelingen

Awards

Theaterkassa

Sollicitatiegesprekken

Clickables

Lijsten

Computerspelletjes

Podcast

Merkinhoud

Awards Seizoen Spotlight

Filmstruck

Beïnvloeders